José Luis Balbín

Produce un inmenso bochorno echar un vistazo a los programas de televisión en los que se producen debates sobre asuntos diversos. Salvo honrosas excepciones, la talla intelectual de los que participan es muy bajo, los gritos abundan, los aspavientos son frecuentes e, incluso, se llega al insulto o a la falta de respeto. Hay algún caso en el que el nivel de los participantes en el debate es, a priori, estupendo. Por ejemplo, el debate lo protagonizan periodistas. Y, también, todo termina como el Rosario de la Aurora. Ofensas, gritos, interrupciones, acusaciones. Un auténtico desastre.

Hemos aprendido (en general; ya sé que algunos siguen manteniendo intactas sus formas y su nivel de cortesía sigue siendo exquisito) que lo que funciona es gritar, quitar la palabra al otro y decir alguna barbaridad de vez en cuando. Al menos, eso es lo que nos dicen repetidamente. Por ejemplo, programa de éxito es igual a programa en el que se dicen cosas horribles de otros, en el que los grandes protagonistas son unos incultos de cuidado que gustan más a la masa cuanto más daño son capaces de hacer. Hemos aprendido que tener razón equivale a decir nuestra verdad muy, muy, alto. Hemos aprendido que eso de respetar a otros está muy por debajo de lo que creemos que es la verdad.

Creo que hay que decirlo alto y claro. Las pantallas de televisión se han llenado de periodistas gritando e interrumpiendo a otros periodistas; se han llenado de paletos que abren la boca para destrozar el lenguaje, de personajes patéticos que son invitados dado el bochorno que provocan y el ridículo que pueden llegar a hacer puesto que eso se prima. En las pantallas de televisión se está normalizando la chabacanería, se está señalando el camino de la ignorancia como uno más.

Recuerdo que siendo un jovencito, los viernes por la noche (tal vez los sábados, en realidad no lo recuerdo) se emitía en la televisión pública un programa que dirigía José Luis Balbín. La clave. Te sentabas delante del televisor y escuchabas. La opinión de uno, del otro, otra más... Cada turno de palabra se respetaba con pulcritud, los asuntos se trataban por aquellos que sabían de lo que iba la cosa y no por el primero que pasaba por la puerta... En fin, era un programa serio, un programa que merecía la pena. Acababa el programa y tu criterio era un poco más sólido. Hoy, por más que busco, no encuentro nada parecido.

En cualquier caso, alzar la voz y hacer el ridículo es eso y no otra cosa. Aunque aparezcas en la televisión y te paguen un dineral. Un paleto con dinero no deja de ser un paleto. Creer que un sujeto que grita más que otro tiene un criterio sólido y poderoso, es un error. Admirar a hombres y mujeres que ganan dinero a base de decir idioteces y hacer daño con sus palabras, es lamentable. Y esto está pasando.

G. Ramírez

La compañía Trajano Teatro se fundó en 2015 y lo hizo el que es ahora director del grupo, Manuel Jiménez Jiménez. El grupo se encuentra en Santiponce (Sevilla) y está compuesto por diez personas desde que hicieran los sainetes del Álvarez Quitero, piezas que siguen representando de forma puntual en distintos escenarios.

Además, de esos sainetes y de la obra ‘Hazme de la noche un cuento’, Trajano Teatro representa, ahora, su nuevo libreto ‘Promesas de libertad’ que es con el que llega a Madrid. Será el próximo 18 de enero en la Sala La Encina Teatro del popular barrio de Lavapiés. La obra ya ha pasado por Santiponce, por el XVIII Festival Nacional de Teatro Aficionado Fernán Caballero (Dos Hermanas, Sevilla), VII Certamen de Teatro Aficionado Algabeño (La Algaba, Sevilla) y por el X Certamen Nacional de Teatro Aficionado Villa de Aznalcóllar (Aznalcóllar, Sevilla) en el que recibieron diversos premios.

‘Promesas de libertad’ es un texto dramático adaptado por el propio autor de ‘La Revuelta’, Santiago Serrano. Habla de la historia de una familia en tiempo de guerra, una familia que trata de sobrevivir a la losa que representa un conflicto armado. Todos los personajes procuran liberarse aunque tienen que transitar lugares hostiles de la realidad que marcarán para siempre su existencia. Se mezclan traición, venganza y muerte; metas que quedan lejos aunque se pueden alcanzar por medios de dudosa moral.

Ninguno de los integrantes de la compañía viven de hacer teatro, algo que se ha convertido en una constante. Pero no falta compromiso inquebrantable, dedicación y gusto por el buen trbajo sobre el escenario.

El próximo día 18 de enero, a las 18.00 horas y a las 20.00 horas, podremos disfrutar del espectáculo los aficionados madrileños que nos acerquemos a la Sala La Encina Teatro (Calle Ercilla 15). Se pueden adquirir las localidades en este enlace.

Superar la primera entrega de 'El juego del calamar' era casi imposible. El efecto que se produjo envuelto en sorpresa fue algo insólito que sólo un trabajo sólido y un punto de suerte logran inesperadamente (el boca en boca funcionó como nunca antes lo había hecho). Ni siquiera los aspavientos de los actores y actrices coreanos fueron motivo de rechazo entre un público acostumbrado a otra cosa más cercana. ‘El Juego del calamar’ supuso un alboroto en toda regla que con una segunda parte no parecía correr peligro de verse superada. No ha sido así.

La segunda entrega de la serie no está mal aunque la sorpresa que vivimos con la primera, esta vez, ya no se produce como es lógico. Arranca con un primer capítulo que recuerda el origen de lo que se va a contar o coloca a los nuevos espectadores ante una situación disparatada que tiene mucho de crítica social, de crítica al capitalismo en concreto. El segundo resulta casi anodino y uno se remueve en el asiento presintiendo una catástrofe. Pero la hecatombe no llega puesto que, a partir de ese momento, la narrativa comienza a funcionar mucho mejor. Más violencia, más conflicto colectivo (esta es la gran diferencia respecto a la primera parte de la serie), personajes secundarios que dan lustre y color al conjunto y la construcción de una tensión narrativa que funciona con fortaleza. La puesta en escena, como ya ocurrió, una maravilla.

Nos sigue recordando todo esto a 'Perseguido', 'Los juegos del hambre' o, por supuesto, 'Battle Royale'. Pero algo se ha modificado y hace que ‘El juego del calamar 2’, sin ser tan sorprendente como la primera parte, funcione bastante bien. La interpretación de Lee Jung-jae (personaje protagonista), siendo más plana que antes (ya no es un pobrecillo obligado a participar en un juego grotesco), supone un guiño a un público no acostumbrado al histrionismo más exagerado. Gong Yoo (¿recuerdan al personaje que abofeteaba a los candidatos en las estaciones de metro y les invitaba a participar?) toma importancia y aporta un toque maligno a lo que sucede, indica que todo puede ser mucho peor de lo que imaginábamos. El actor Hwang Jun-ho (este interpreta al hermano del malo malísimo) da forma a una subtrama que no sé muy bien cómo va a rentabilizar el guionista Hwang Dong-hyuk, pero que sirve de muelle para que la trama no se empantane con una acción alocada (lo que sucede en la isla es una auténtica locura y eso no puede mantenerse durante toda la entrega porque dejaría de funcionar por excesiva, por reiterada o por absurda). Por cierto, Hwang Dong-hyuk logra, con mucha habilidad, que los juegos nuevos se alternen con otros conocidos para dar solidez al personaje principal. Las piezas encajan.

La sangre siempre gusta a los amantes de… la sangre. Y en ‘El juego del calamar 2’ no falta. Y una violencia dolorosa y extravagante. Es extraño, pero entretiene algo así. Y, más raro todavía, provoca risas y gran alborozo entre los más fanáticos del género. Somos así.

G. Ramírez

Fotografías cortesía de la CND.

Madrid está vestida de gala. Las calles iluminadas por millones de bombillas se ven preciosas y los visitantes las pasean asombrados. El Teatro de la Zarzuela de Madrid, a la orilla del resplandor navideño, se va llenando de aficionados a la danza, aficionados que esperan comprobar que la Compañía Nacional de Danza se va consolidando poco a poco. 

Veo la función con una joven americana  del estado de Maine a mi derecha (Katherine) que entiende perfectamente lo que le cuentan en el escenario. Habla con muchas dificultades el castellano, pero en la danza no hay idiomas; al contrario, es el lenguaje universal desde que el hombre es hombre y quiso expresar una idea. Da igual ser de Maine o de Toledo como yo mismo para poder disfrutar de la danza, del arte.

‘La Sylphide’ es un ballet romántico en el que se habla de la necesidad de amar y de lo costoso que es hacerlo si es que alguna vez se consigue; habla de lo que todo el romanticismo habló que no es otra cosa que la contraposición de lo bello y lo doloroso; habla de un destino marcado siempre por lo que somos capaces de arriesgar. Y es, sobre todo un ballet precioso que gusta a todo aquel que se arrime a él.

‘La Sylphide’ lo firmó August Bournonville, un danés que amaba la música sobre todas las cosas y la entendía como cimiento para cualquier forma de danzar, para pensar cualquier coreografía. Bournonville fue bailarín, coreógrafo y maestro de ballet.

La Compañía Nacional de Danza, dirigida por Muriel Romero, nos acerca, con mucho tino, la obra que se representará en el Teatro de la Zarzuela de Madrid hasta el próximo 22 de diciembre.

La puesta en escena de Petrusjka Broholm, danesa como Bournonville, se ciñe a lo que podríamos definir como representación clásica de la obra que, por tanto, trata de ser fiel a la idea de su creador. Ya montó en 2023 esta misma obra para su estreno por la Compañía Nacional de Danza y, ahora, regresa para reponer la producción. Se trata de una puesta en escena precisa, económica en cuanto a elementos irrelevantes, y clara para el espectador que puede atender a los bailarines sin tener que centrar el foco en otros aspectos mostrados en el escenario. La narrativa del ballet es clara, casi quirúrgica, y la puesta en escena hace que resalte y pueda ser comprendida por cualquier tipo de espectador. Se consigue que en el escenario se traduzca con detalle lo que la partitura de Herman Severin Løvenskiold dice al tiempo que los bailarines expresan. Es una puesta en escena muy inocente, muy amable.

Los bailarines de Muriel Romero muestran una muy buena preparación técnica. Todo fluye en el escenario sin que apenas notemos que estamos ante una compañía de danza. Si bien es cierto que el nivel es bastante homogéneo, destacan Giada Rossi (elegante, sensual y evocadora al expresar corporalmente) y Felipe Domingos (un torbellino de tremenda fuerza física y una técnica que, aunque mejorará con el tiempo, promete cosas más que importantes). Yanier Gómez Noda, que estuvo bien, cometió un par de errores que deslucieron su trabajo, dos pequeñas cosas que, aunque sin gran importancia, no pueden producirse en el nivel que se exige a la Compañía Nacional de Danza. El resto de bailarines hicieron un trabajo serio y más que notable.

La tarde de danza fue espléndida con el teatro lleno (se colgó el cartel de ‘no hay billetes’). El frío de Madrid esperaba en la calle al terminar la función. El frío y, también, el bullicio que anuncia la Navidad en la capital y ese aroma a belleza que solo una ciudad como Madrid es capaz de desprender a cualquier hora y en cualquier momento.

G. Ramírez

Miles Davis y Bill Evans durante la grabación de 'Kind of Blue'

La música jazz es difícil de definir. Sin embargo, hay una característica que se presenta como constante en cualquier época, en cualquier estilo de jazz: la improvisación. Generalmente, son las melodías procedentes del blues o las que llegan de estándares las que se utilizan para inventar y colocar notas donde alguna vez no cupieron, para inventar música y más música. Sin ataduras, sin puertas insalvables.

Tal y como dice Ashley Kahn en el libro ‘Miles Davis y Kind of Blue’: Una melodía es básicamente una sucesión de notas, y cada una de ellas es la raíz de un acorde correspondiente; la línea melódica se mueve (en jerga de jazz, swinga) horizontalmente a través del tiempo. A este movimiento se le conoce como progresiones de acordes.

Pues bien, si un músico no conoce las notas de la armonía no puede tocar y menos improvisar.

Parker y Gillespie complicaron mucho las cosas. Introdujeron notas cortas en las estructuras de acordes que, si bien convertían la improvisación en algo mucho más llamativo, nervioso o transgresor, dificultaban que los músicos que no conocieran la estructura armónica pudieran hacer esa música.

Sin embargo, tras el alboroto del bebop, los músicos sentían que las progresiones de acordes ya conocidas, limitaban mucho su expresividad. Llegó el momento de buscar alternativas, de experimentar. Y en eso Miles Davis era el primero en apuntarse. Junto al pianista Bill Evans, marcaron el camino de un tipo de jazz distinto que les permitiría contar todo aquello que necesitaban decir: el jazz modal.

No era nuevo, pero no se había impuesto en ningún momento de forma clara. Ellintong ya lo había utilizado en temas importantes como, por ejemplo, ‘Caravan’ (12 compases sobre un solo acorde antes de llegar a Fa Menor).

En el jazz modal o de escalas, la nota central es tónica. En la música clásica ya se utilizaba con frecuencia y permitía a los jazzmen, al tocar sobre una escala, manejarse con mayor libertad. Antes, basando su música en acordes, al llegar el compás 32 todo se repetía y el callejón no tenía salida expresiva.

Nirek Sabal

La banda de Paquito D'Rivera en Teatro Fernán Gómez CCV © Madrid Destino / Jesús Hellín

Último concierto sobre el escenario del Teatro Fernán Gómez CCV programado en el Festival Internacional Jazz Madrid. Como estaba previsto, ha sido un concierto de enorme calidad. Y es que Paquito D’Rivera nunca falla.

El jazz latino gusta mucho en países como España, entre otras cosas, porque lo entendemos muy bien. Aquí también sabemos bailar la vida, celebrar cada minuto de la existencia. Sobre todo de Despeñaperros para abajo aunque los demás no hacemos ascos a vivir intentando ser felices y si es bailando mejor. Todo lo que tiene que ver con el jazz latino  es familiar y cercano, todo es mágico.

Paquito de D’Rivera es un músico descomunal. Según él mismo afirmó durante el concierto del domingo 24 de noviembre, ya son setenta años haciendo música. El que escribe no recuerda un solo concierto de este hombre sin el éxito presente como invitado especial, un solo concierto que defraudase al personal, un solo concierto anodino o planito. Además, Paquito D’Rivera es un tipo cercano, muy simpático, y eso ayuda a que la comunión con el público sea absoluta.

Paquito D'Rivera en Teatro Fernán Gómez CCV © Madrid Destino / Jesús Hellín

Paquito D´Rivera se rodea de músicos extraordinarios. Disfrutamos de Pepe Rivero al piano, un músico con el swing en la punta de los dedos que es capaz de convertirse, desde el primer compás, en el vertebrador del obligado diálogo entre instrumentos. Y disfrutamos de un tema compuesto por él mismo que tituló ‘Pa’ Bebo’.  Elegante en la interpretación, con una enorme carga de reminiscencias clásicas en su música (la formación de este hombre es sólida a más no poder) y una capacidad para la improvisación portentosa. Disfrutamos de un contrabajista Reinier Elizarde ‘El Negrón’ que dejó un par de solos para el recuerdo. Su aportación en el tema compuesto por D’Rivera ‘Basstronaut’ (algo parecido a ‘El bajonauta’) fue de las que dejan boquiabierta a la platea en su totalidad. Soportando la base rítmica es un seguro de vida y si es en compañía del baterista Georvis Pico el efecto se multiplica de forma exponencial. Vaya dos braceros que lleva D’Rivera al lado. Y también disfrutamos del vibrafonista colombiano Sebastián Laverde, un músico eficaz, robusto en la interpretación de la partitura y chispeante en la improvisación. Por si era poco, se unió a la fiesta a medio concierto el armoniquista Antonio Serrano. Sensacional en todo lo que hizo Serrano.

Además de los temas ya mencionados, sonaron el ‘Nocturno de celda’ de Chopin, ‘Mambo influenciado’ de Chucho Valdés, una delicada –casi sofisticada- versión de ‘Cinema Paradiso’ de Ennio Morricone, un tema compuesto por D’Rivera en honor a su esposa ‘A Brenda con amor’ y del ‘Concierto para Clarinete en La’ de Mozart el segundo movimiento convertido en un blues.

El público ovacionó a los músicos sin dejarse una palmada. Y la despedida de este espacio del Festival Internacional Jazz Madrid 24 queda en el recuerdo de los aficionados. Por siempre jamás.

Michel Camilo y Tomatito en Teatro Fernán Gómez © Madrid Destino / Jesús Hellín

El Festival Internacional Jazz Madrid llega, sin prisas, a su recta final. Madrid ha estado sonando durante semanas a buena música, a jazz clásico, a modernidad o a precioso mestizaje musical; en definitiva a libertad absoluta en la composición y en la interpretación. Madrid se va perfilando como una de las capitales del jazz en Europa.

Fusionar el jazz latino con el flamenco tiene su complejidad. Eso no es ninguna novedad. Intentarlo con un piano y una guitarra, y solo con ello, resulta bastante más complicado y no deja de ser una apuesta arriesgada y, si no nueva, poco frecuente. Hay que tener en cuenta que con esos dos instrumentos hay que crear una base rítmica (que no puede faltar) y que sustituir la batería o un contrabajo con el piano o las seis cuerdas de una guitarra no es cosa que pueda hacer cualquier músico. Solo los virtuosos, los que son capaces de sumar notas a velocidad del rayo y colocarlas en su lugar exacto, son capaces de conseguirlo. Michel Camilo, al piano, y Tomatito, a la guitarra, lo logran con una facilidad pasmosa que, difícilmente, se puede encontrar entre los músicos actuales. Swing y profundidad en cada compás.

La sala Guirau del ‘Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa’ se vestía de gala para recibir a dos músicos grandes, virtuosos, esenciales en el panorama jazzístico actual. Por separado, ambos músicos han demostrado en innumerables ocasiones que hacen sonar sus instrumentos con personalidad propia, con elegancia, con gran conocimiento musical y una técnica solo al alcance de un puñado de músicos a lo largo de la Historia. Juntos, forman un tándem inigualable que funden los ritmos latinos y caribeños más puros con el flamenco más clásico. Michel Camilo es un pianista formidable que despliega elementos técnicos reservados a los virtuosos; es, además, un músico capaz de sentir melodías que emanan del agua de mar, del sol caribeño, del son al que millones de personas danzan la vida cada día. Tomatito es un guitarrista hondo, un músico que resguarda en los trastes de su instrumento la forma de entender el mundo que los hombres y mujeres gitanos han ido acumulando durante siglos. El son latino, el flamenco más puro, un binomio que sobre un escenario solo puede generar entusiasmo, sensaciones arrasadoras y alegría por vivir, entre los asistentes a un concierto.

Tomatito durante el concierto en Teatro Fernán Gómez © Madrid Destino / Jesús Hellín

Llegaban Camilo y Tomatito para presentar su nuevo disco ‘Spain Forever Again’ y, por supuesto, no defraudaron a nadie. Además, de los temas que componen este trabajo, sonaron algunas piezas de anteriores discos como, por ejemplo, ‘A mi niño José’ de Tomatito incluido en ‘Spain’ o los temas que sirvieron de tributo a Chick Corea que se incluyeron en los tres trabajos anteriores del dúo. Gustó mucho la versión de ‘Alfonsina y el Mar’ que llegó a la platea envuelta en elegancia, delicadeza y un cuidado extremo para no malherir la esencia de la canción. ‘Remembrance’, firmada por Michel Camilo; el Adagio del Concierto de Aranjuez; o ‘La leyenda del tiempo’ que hacia presente al mismísimo Camarón de la Isla; fueron construyendo un concierto estupendo. Camilo y Tomatito son viejos conocidos del público de Madrid aunque no por ello dejan de sorprender en cada ocasión. Las ovaciones se sucedieron hasta la de despedida que fue larga, agradecida y sincera.

Michel Camilo © Madrid Destino / Jesús Hellín

La sala Guirau del ‘Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa’ se llenó para recibir a estos dos artistas como no podía ser de otra forma.

Al acabar el concierto, Madrid esperaba encerrada por la oscuridad otoñal que nos recuerda la llegada del frío y el agua de lluvia. Pero hoy eso da igual porque podemos caminar la ciudad con sonidos que nos llevan a la costa cubana, a los atardeceres naranjas que se bailan en el malecón de La Habana. Es la magia de la música.

G. Ramírez

Joselu López, Rocío Faus, Ángel Ruiz, Beatriz Díaz y David Menéndez. / Foto: Javier del Real

Teatro de la Zarzuela de Madrid. Son las siete y media de la tarde (más tres). Comienza la función. La platea está llena. Personas mayores, casi todas. Jóvenes, muy pocos. Una pena que no se logre hacer partícipe a la gente joven de lo que ha sido y es; de lo que representa, desde hace decenas de años,  la zarzuela en la sociedad española; partícipes de una belleza musical, vocal y teatral descomunal; partícipes de la diversión que siempre llega desde las tablas sobre las que se representan estas obras. Pero público no falta, al contrario en la taquilla lucía un bonito cartel anunciando que no había ni una localidad libre.

‘La del manojo de rosas’ es un sainete lírico -en dos actos y seis cuadros- que gusta mucho a los aficionados desde que se estrenó hace noventa años. Fue un martes y trece del mes de noviembre de 1934. En ese momento nadie daba un duro por el sainete como fórmula de éxito y el maestro Pablo Sorozábal demostraba que las cosas bien hechas siempre tienen posibilidades. ‘La del manojo de rosas’ no deja de ser un pequeño milagro que se abrió paso en una sociedad que corría hacia la modernidad más rompedora, una prueba de que adaptar ‘lo de antes’ a ‘los nuevos tiempos’ puede funcionar de maravilla.

Francisco Ramos de Castro y Anselmo Cuadrado Carreño, autores del libreto, habían ofrecido el texto a Federico Moreno Torroba aunque no tuvieron suerte con el compositor. Moreno Torroba no logró escuchar la música que pudiera acompañar aquel libreto. Posteriormente, Sorozábal dijo que sí aunque no antes de conseguir permiso para eliminar momentos determinados y añadir alguna cosa a su gusto. Sorozábal quería escribir un sainete que sirviera de homenaje al pueblo de Madrid y no una comedia ligera al uso de la época; Sorozábal buscaba un sainete que fundiera el baile moderno, el espiritismo, la diferencia entre clases sociales y una situación económica imposible de prever a corto o medio plazo porque esos eran ingredientes esenciales que aderezaban la sociedad madrileña en la que, también, la mujer se había incorporado al trabajo, al mundo de la cultura; en la que la mujer había conseguido derechos fundamentales con gran esfuerzo. La libertad y la igualdad, un aderezo enorme en el sainete de Sorozábal, era algo fundamental para las mujeres de aquellos años, ideas que poco después se vieron reducidas a la nada. Las mujeres que se habían sentido urbanas, trabajadoras de pleno derecho y proletarias, serían condenadas años después a ser amas de casa, no pisar la universidad y ser discretas con sus reivindicaciones. Así fue salvo excepciones. Por eso los personajes femeninos de ‘La del manojo de rosas’ no dan un paso sin pensar en su propia libertad, ninguna está dispuesta a ceder ante cualquier hombre que no cumpla con los requisitos que creen necesarios en un hombre.

Sorozábal plantea dos triángulos amorosos en los que las diferencias económicas (Joaquín, Ascensión y Ricardo) o las culturales (Capó, Clarita y Espasa) serán las que ordenen las relaciones. Y los cantables (en muchos casos, muy bailables) se desarrollan en forma de romanzas, chotis, una farruca o el divertidísimo foxtrot ‘Si tú sales a Rosales’, entre otras formas.

La producción que se representa, ahora, en el Teatro de la Zarzuela se estrenó en 1990. Esa versión escénica de Emilio Sagi sigue siendo actual, precisa y preciosa. Por ejemplo, la primera estampa que dibujan los bailarines-figurantes quedando congelados ya es una declaración de intenciones; y es que Sagi quiere retratar una época, quiere dibujar un tipo de vida que solo en Madrid se podía perfilar en aquellos años, una idea coincidente con la del propio compositor. El tránsito de personajes es tan abultado como ordenado y no dificulta el entendimiento de la acción. Bien el vestuario, bien la iluminación, bien las coreografías.

La maestra Alondra de la Parra. Foto: Elena del Real

En el foso, la maestra Alondra de la Parra, aportó delicadeza, una lectura pausada de la partitura en la que la percusión sonó refinada (muy importante en esta obra) y el conjunto robusto y solvente. La dirección de Alondra de la Parra fue muy aplaudida, cosa que, por otro lado, no fue ninguna sorpresa puesto que la carrera de esta mujer ya está consolidada de sobra y es una muestra de la necesidad (sí, necesidad) de una mayor presencia femenina en las direcciones musicales.

La representación no pasará a la historia por el nivel vocal de los cantantes. No es que cantasen mal, pero no lograron emocionar, ni demostraron nada del otro mundo. David Menéndez (Joaquín) correcto y solo correcto; Beatriz Díaz (Ascensión) correcta y muy limitada por una voz más bien pequeña; Gerardo López (Ricardo) monótono, sin saber sacar partido a su personaje; Joselu López discreto cantando y algo mejor encarnando a su personaje; y Rocío Faus (Clarita) correcta de voz y muy divertida desplegando el arco dramático que le tocaba; esta cantante es joven y tiene posibilidades de llegar muy lejos si se prepara a conciencia porque facultades no le faltan. Por su parte, Ángel Ruiz, estuvo bien y, sobre todo, chispeante haciendo de Espasa.

Sea como sea, la tarde fue agradable, amable, divertida y casi entrañable. Porque ‘La del manojo de Rosas’ es una obra agradable, amable, divertida y casi entrañable. Y eso no es poca cosa.

Ay, si los jóvenes se decidieran por acudir a la cita con estos clásicos…

G. Ramírez

Lakecia Benjamin. / Fotografía © Madrid Destino  Jesús Hellín 3

Desde que el bebop nació como forma de protesta y nueva forma de expresividad del jazz, la evolución de la música se aceleró porque esa especie de revolución de los instrumentos, bien influyó directamente en otras músicas, bien produjo un contagio de las periferias que hicieron saltar por los aires normas que parecían eternas en la música. Y, desde aquel tiempo, no todo el mundo ha sido capaz de entender el jazz. Si los códigos conocidos se diluyen la cosa se complica para los que no quieren hacer esfuerzos y tienden a conformarse con lo de siempre. El problema sigue vivo. Y, por esta razón, una música como la que hace Lakecia Benjamin, siendo extraordinaria, no termina de ser atractiva para un tipo de público. Media entrada como mucho.

Lakecia Benjamin es, en sí misma, un espectáculo total. Carácter chispeante y agradable a partes iguales, actitud arrolladora sobre el escenario que parece quedarse pequeño con tanto talento encima. Reivindicativa respecto al papel de la mujer (en el jazz, desde luego aunque, sin duda, en el resto de los ámbitos también), entregada al público desde el primer compás, y, sobre todo, tocando el saxo, un instrumento que pegado a sus larguísimos dedos parece haber llegado al mundo con ella. El concierto de ayer en el ‘Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa’ fue espectacular gracias a esta mujer y a los músicos que le acompañan. Porque Zaccal Curtis al piano, Elias Bailey en el contrabajo, y el baterista E.J. Strickland, dieron un recital de virtuosismo con sus instrumentos. Los tres son rapidísimos haciendo música; y no solo me refiero a la velocidad de las manos sobre el teclado, sobre las cuerdas o con las baquetas, que también, sino por una rapidez de ideas que deja atónito al que escucha. Los solos del pianista fueron descomunales y casi quirúrgicos; los solos del baterista exactos y de una brillantez exquisita. El que quedó inédito en este sentido fue Bailey, un contrabajista de enorme categoría; un músico que aguanta la base rítmica en cada tema con una robustez brutal. Es de los que no fallan una nota. Por supuesto, la compañía como bracero de E.J. Strickland es garantía de solvencia.

Lakecia Benjamin. / Fotografía © Madrid Destino  Jesús Hellín 3

Lakecia Benjamin es tan rápida de ideas como el resto de su banda; y tocando el saxo desborda todas las expectativas posibles. Toca y suena John Coltrane, Y suena Ornette Coleman. Y resuena en cada compás la música de Charlie Parker. Eso sí, suenan envueltos por una personalidad arrolladora de una mujer que lleva muchos años ya trazando un camino envidiable en el universo jazzístico mundial; un camino dibujado con un fraseo original que busca, en todo momento, un desahogo creativo y una clara eliminación de opacidad en la expresividad. Funk, bebop, rock o hip hop, se funden con el jazz más clásico para servir de amalgama en una música desbordante en su intensidad y envolvente por su contundencia. A este nivel, no creo que se puedan encontrar más de cuatro o cinco artistas. La descomunal exhibición que dio Lakecia Benjamin sobre las tablas del Fernán Gómez fue brutal, explosiva y demoledora con cualquier prejuicio que alguien tenga respecto al jazz moderno.

Lakecia Benjamin, junto al baterista, puso la platea del revés interpretando ‘My Favorite things’ (Oscar Hammerstein II y Richard Rodgers). Su capacidad pulmonar ya les digo yo que no es normal. Entusiasmaron al personal ‘Trane’, ‘Mercy’ y ‘Moods’, temas compuestas por ella misma. Gustaron muchísimo el resto. Personalmente, me pareció estupenda la versión de ‘Cissy Strut’ (The Meters), aunque estuve del revés, entusiasmado y muy entretenido como todo el mundo y en los mismos momentos.

Desde luego, la presencia de esta mujer en el Festival Internacional de Jazz de Madrid es todo un lujo, y el lustre que aporta al conjunto no es cosa menor.  Fantástico concierto. Inexplicable que los aficionados no acudieran a la llamada del buen jazz y la platea se quedara a mitad de capacidad.

G. Ramírez

David Sancho. Fotografía cortesía de el señor Sancho

David Sancho Mangas es madrileño y vino al mundo allá por 1987. Es graduado en Piano y Pedagogía del Piano en el Conservatorio Superior de Música de Madrid. Un poco más tarde se tituló en Piano Jazz por el Conservatorio Superior de Rotterdam (Codarts Hogeschool voor de Kunsten). Y a partir de ahí, el número de premios, colaboraciones o festivales es innumerable. Ha hecho, además de música jazz, hip hop, electrónica o flamenco, entre otras cosas. David Sancho es eso que todo el mundo conoce como músico de raza, de los de verdad.

David es muy buen conversador y en la charla con él no hay baches o meandros imposibles. Natural, amable y cercano.

Hablamos de su último trabajo (pendiente de publicar y del que ya hay, eso sí, tres singles publicados en las plataformas que se pueden escuchar). Dada su formación y su desarrollo profesional, en este disco se encuentran el jazz, el rock progresivo, el sinfónico, hip hop y pasajes de carácter orquestal puesto que David Sancho utiliza instrumentos distintos a los teclados (flautas y violines, por ejemplo).

¿Por qué jazz y no cualquier otro tipo de música?

‘El jazz genera una enorme libertad que me encanta experimentar. Al existir tantas estructuras en las que se puede desarrollar la improvisación me siento muy cómodo y puedo generar una interacción, mientras interpreto un tema, con otros músicos más que interesante. Me encanta el jazz’.

El piano, por formación académica, es el instrumento principal en la música que hace David Sancho.

‘Pero mi formación sentimental reposa sobre los teclados. Me explico. Mis actividades extraescolares (por así decirlo) fueron los teclados. Es como salir de clase en el colegio y jugar al baloncesto o al fútbol. Algo así. Yo salía del conservatorio y tenía mi propia actividad fuera de horario. En los teclados mezclo la formación más académica con la más gamberra que crece alrededor de teclados, amplis o sintetizadores’.

Ya que hablas del cole… ¿Qué tipo de pianista quisiste ser de jovencito? ¿A quién quisiste parecerte?

‘Quise ser como Tony Banks, Rick Wakeman, Bill Evans o Chick Corea, por ejemplo. Pero, ahora, si tengo que elegir a uno me quedo con Brad Mehldau sin dudarlo, es mi preferido, es el pianista total’.

David Sancho entiende que ser músico significa no dejar nunca de madurar como profesional.

‘Pero, a pesar de las preferencias y las influencias que he tenido como cualquier músico, sí es cierto que ya he conseguido ser yo mismo, siempre lo soy. Cada disco que publicas en una búsqueda musical y espiritual; por eso, he logrado avanzar mucho sin perder de vista que queda todo el camino por andar. Soy yo sabiendo que tengo que cambiar al hacer la ruta que me espera’.

David Sancho. Fotografía cortesía de el señor Sancho

Hablamos de la improvisación (creo yo que es el territorio en el que el músico se presenta sin filtro alguno), de lo esencial que resulta en el jazz.

‘Mira Gabriel, la improvisación va a tener mayor o menor presencia dependiendo de cada pieza y de cada estilo. Por ejemplo, en el disco que estoy a punto de publicar, hay temas en los tengo mucho más escrito que lo que dejo, a priori, en el territorio del desarrollo de la improvisación; pero la improvisación puede ocupar de forma práctica un espacio mucho mayor del esperado porque se hace en total libertad. Aunque tengo temas que apenas cuentan con unos compases escritos y el resto llega desde la improvisación. Improvisación pura. Por supuesto, improvisando, te dejas ver por completo’.

Al improvisar, los músicos sabéis dónde empezáis, pero creo que no dónde vais a terminar ¿no?

‘Saber acabar es muy importante. En mi actividad docente siempre hago un símil con la gimnasia artística. Se debe saber que llega el último salto, el público debe ver que llega, y hay que sacar los brazos al caer para decir ‘ya he terminado’ aunque no haya sido el mejor salto de todos los de la serie. Suelo avisar al llegar al final de una improvisación, prefiero que nadie se sorprenda sobre todo si lo que llega a continuación es una parte difícil de la pieza’.

David Sancho se subirá al escenario de la Sala Villanos del Jazz el próximo uno de diciembre, dentro de la programación del Festival Internacional Jazz Madrid. Es el último de los artistas que intervienen en el festival. Presentará su último disco ‘Mind in Progress’ que estará publicado un par de días antes de concierto; un trabajo creado para poder escucharlo de principio a fin. Se podrá escuchar en todas las plataformas digitales y en formato físico.

Queda pendiente una conversación con David Sancho, en la que se descubra mucho más de él, de su forma de entender la música.

G. Ramírez

Cyrus Chestnut Trío en Teatro Fernán Gómez CCV - © Madrid Destino/Jesús Hellín

Me he encontrado con la sala Guirau del ‘Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa’ algo desangelada. Diría que se han ocupado poco menos de dos tercios del aforo si soy generoso con la contabilidad. Y es una pena porque el concierto programado este domingo es de los que gustan a propios y extraños, a los aficionados y a los que se acercan por primera vez al jazz. El trío liderado por Cyrus Chestnut es siempre garantía de buena música, de diversión y de esa energía positiva que termina animando la platea a más no poder. Pero no se puede esperar un lleno tras otro si se programa un número de conciertos imposible de abarcar para los espectadores o la crítica. Se impone una reflexión sobre la duración del Festival Internacional Jazz Madrid o sobre el número de conciertos programados y espacios escénicos utilizados. Por otra parte, los precios son mucho menos asequibles que en ediciones anteriores y eso se nota. En alguna localidad española escuchar a este trío va a costar la mitad que en Madrid siendo la sala Guirau mucho más grande. En fin, no estaría mal dar una vuelta a todo esto.

Estoy sentado junto al que creo que es el único niño del patio de butacas. Juega con su consola aunque mueve los píes al ritmo que marca la música. Le he preguntado antes de comenzar el concierto a qué jugaba (a Pokémon, ha contestado) y me ha explicado de qué va la cosa (los muñequitos mejoran al pasar el tiempo y se van convirtiendo en mascotas muchos más atractivas y poderosas a medida que consiguen objetivos). Pienso que si fuera un pokémon, Chestnut (un buen alias para el pokémon más poderoso) sería evolución de Fats Waller, Red Garland y Oscar Peterson. Waller fue uno de los máximos exponentes de stride piano y Chestnut tiene una mano derecha capaz de recorrer el teclado a una velocidad de infarto y una izquierda capaz de mantener la melodía con fuerza y solvencia. La elegancia de Garland está presente en cada compás y esa extraordinaria forma de interpretar de Peterson (buscando casi el rococó en cada partitura) flota con cada nota que suena. Si a esto añadimos que la formación clásica del pianista aparece en cualquier momento y convierte un simple tránsito en algo esencial, tenemos un músico extraordinario que es capaz de hacer una música de altísimo nivel.

Cyrus Chestnut llegaba acompañado al escenario por Georgios Antoniou (contrabajo) y Esteve Pi (batería) dos músicos capaces de construir la base rítmica sin fallar una nota. Y es que el swing es seña de identidad de este trío. Ha destacado, especialmente, el baterista que se asomaba con sus solos con una personalidad marcadísima y con las baquetas a velocidad de crucero.

Cyrus Chestnut Trío en Teatro Fernán Gómez CCV - © Madrid Destino / Jesús Hellín

Si el trío de Chestnut fuera un pokémon sería una evolución del trío que Bill Evans lideró en los años sesenta junto al contrabajista Scott LaFaro y el baterista Paul Motian. Y no por la música que hicieron unos y hacen otros (es muy distinta y resulta incomparable) sino por ese diálogo permanente entre los instrumentos que se convierte en hilo conductor de todo lo que suena. Chestnut es muy generoso con sus compañeros y permite que crezcan con cada tema sin complejos y sin buscar un protagonismo que restaría importancia al trabajo.

Ha sonado Thelonious Monk (‘Ask me now’); se ha hecho presente Duke Ellington (‘Caravan’) y ha repetido junto a  Juan Tizol (‘Sophisticated Lady’), por aquí han estado Andy Razaf y Don Redman con una preciosa versión de ‘Gee, Baby, Ain't I Good to You’; no podía faltar el bebop de Charlie Parker y hemos disfrutado de ‘Yardbird Suite’; aromas de música clásica y composiciones propias; y la despedida ha tenido como protagonista el tema de Erroll Garner ‘Misty’.

Chestnut sería un pokémon legendario (me dicen que esa es la categoría más formidable de esos seres digitales); sería, ya digo, un legendario en el mundo digital y es un pianista fuera de serie es este mundo que nos ha tocado vivir.

G. Ramírez

© Madrid Destino / Jesús Hellín

El Festival Internacional de Jazz de Madrid encara su último tramo con fuerza, acumulando calidad y buen hacer. Madrid se vuelca, cada año, con este Festival que se ha consolidado definitivamente y tiene un lugar de privilegio en las agendas de los aficionados al jazz.

El frío está siendo perezoso y no termina de instalarse en la ciudad. Un tiempo más que agradable a estas alturas del invierno acompaña hasta las puertas del ‘Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa’. ‘Julia’ la formidable escultura de Jaume Plensa espera, atenta y paciente, a los aficionados al jazz que vuelven, una vez más, para disfrutar de la música.

Mientras espero que comience el espectáculo, charlo con mi esposa, sobre una idea que me acompaña desde hace muchos años. Cuando un lector se encuentra por el camino con una novela de William Faulkner es casi seguro que deje de gustarle, tanto como creía, lo leído de otros autores hasta ese momento. Hay un antes y un después, se dibuja una línea que separa lo extraordinario de lo demás. Si un aficionado al cine se encuentra por el camino con una película de Andréi Tarkovski es casi seguro que su criterio se modifique y que todo lo visto pase a ser secundario. Otra línea dibujada. Cuando un amante de la música escucha, por ejemplo, a Paco de Lucía haciendo música con su guitarra, el nivel de exigencia en el oyente se dispara. Y en España estamos acostumbrados a los guitarristas extraordinarios y al dios de la guitarra, a Paco de Lucía. Por eso los guitarristas que llegan de otros países, siendo excelentes músicos y haciendo lecturas novedosas y más que interesantes de algunos clásicos o componiendo con talento, en España lo tienen muy difícil.

© Nick Suttle

John Scofield, nacido en Ohio (Estados Unidos de América) hace setenta y dos años, es un músico magnífico. Es uno de los mejores guitarristas del mundo dedicado al jazz. Es posible que se encuentre entre los tres o cuatro mejores de la actualidad. El fraseo de Scofield es elegante, evocador y tiene un punto de misterio puesto que el que escucha sabe cómo comienza, pero nunca sabe (ni siquiera intuye) hasta qué territorios puede llegar si le da la mano a este músico. Relee los clásicos aportando un punto de vista personalísimo que hace muy suyos los temas que interpreta. Es un guitarrista de los buenos de verdad. Ha acompañado a Gary Burton, Chet Baker, Charles Mingus o Miles Davis, entre otros. No se puede decir una sola palabra en contra de él. Pero estamos en España y el sonido de la guitarra o la improvisación del guitarrista la tenemos interiorizada de un modo muy especial. La guitarra en España es paradigmática.

John Scofield se plantó en el escenario de la sala Guirau del ‘Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa’ descalzo, dispuesto a ofrecer un buen concierto. Y lo logró, por supuesto. Si bien es cierto que fue de menos a más (se le vio algo incómodo con el pedal y las regletas, tal vez la silla era demasiado baja para su estatura o al menos esa era la sensación), el concierto de Scofield dejó buen sabor de boca. Sonó más de un standard (qué bonita sonó ‘My Funny Valentine’, la canción de Richard Rodgers y Lorenz Hart), algo de John Coltrane…; en realidad, mucho del jazz que hemos escuchado desde los años treinta hasta hoy condensado en una docena de temas, aromas del folk americano y de puro funk. El guitarrista se despidió con una nana tan bien interpretada como carismática. Improvisó arrastrando al personal a lugares repletos de buen jazz y de un blues que funciona como hilo conductor de toda su música. Pero no fue capaz de enamorar del todo. Solo los muy aficionados, los que tienen el oído acostumbrado al jazz contemporáneo terminaron entusiasmados. Me temo que buena parte del aforo solo salió satisfecho. Aunque dadas las circunstancias, no está nada mal, todo lo contrario. Apostar por un concierto de estas características frente al público español es arriesgado.

Sea como sea, el jazz de John Scofield es de los que deja un poso resistente y percutor. Lo que parece más anodino o más difícil de entender, un par de días después puede estar resonando en la conciencia del espectador como solo puede hacerlo la buena música. Mientras llega el frío a Madrid.

G. Ramírez